Bien que tout le monde ne puisse pas aller dans une académie ou une école pour apprendre les principes du dessin, il est important de savoir ce qu’ils peuvent vous apprendre. Ce guide vous donnera une vue d’initié du dessin académique.
Qu’est-ce Que Le Dessin Académique ?
Ce livre est le moyen le plus complet et le plus ancien d’apprendre sur l’art. Il propose également un aperçu historique de l’art européen. Ce cours comprend des études essentielles sur la riche histoire des maîtres anciens qui ont inventé les techniques de dessin et de peinture. Ces leçons vous aideront à comprendre comment créer un dessin en utilisant des références artistiques historiques et anatomiques.
Les artistes modernes peuvent apprendre les techniques artistiques et les principes de l’écriture académique de cette manière. Ces compétences comprennent un message global et une approche intellectuelle de la création de dessins et de peintures. Ces compétences incluent également des détails fins comme le symbolisme ou l’esthétique. Ces compétences sont également nécessaires pour les fabriquer au sens traditionnel.
Les étudiants qui suivent des cours et des ateliers de dessin académique repartent avec un large éventail de compétences qui les aideront dans leurs efforts artistiques. Ce cours a enseigné aux étudiants l’histoire du dessin et comment il est un ajout important au répertoire artistique de tout artiste.
Quelle Est La Plus Haute Forme D’art Académique ?
Sculpture
Il est possible de dire que l’intention artistique est la forme la plus élevée de l’art académique, car elle ne peut être enseignée d’une manière que beaucoup de gens puissent comprendre. Il est possible de passer de nombreuses années dans une école d’art ou des cours d’art à apprendre l’histoire et les styles des artistes, mais cela ne signifie pas qu’il sera facile de le transférer sur votre propre travail. Alors que les styles et les méthodes peuvent être appris et copiés, ce qui est le plus précieux est une compréhension approfondie du style de l’artiste.
Veuillez jeter un coup d’œil au cours de dessin/croquis que j’ai créé .
Ce n’est pas une réponse standard, et il faut la prendre avec prudence. Vous pouvez avoir un talent artistique et la capacité de créer vos propres idées et concepts. Ces compétences ont été développées par bon nombre des plus grands artistes du monde grâce à la persévérance et au travail acharné. Il faut que Dieu vous touche pour atteindre un talent artistique magistral, comme vous pourriez le dire.
Malheureusement, cela n’a pas empêché des milliers de personnes avec (au pire) de faibles compétences de présenter leur art. Il est important d’apprécier l’art académique en embrassant le message et en le réinterprétant avec élégance et style. Il est important d’embrasser les bases avec passion et curiosité, et pas seulement de copier-coller. Vous ne pouvez pas vous appeler un artiste si vous n’avez pas de formation en art traditionnel.
Principes De L’art De L’académie
Ces principes sont des compétences fondamentales qui s’acquièrent à l’aide d’exemples et de méthodes. Ces principes contiennent également des règles claires qui vous guideront tout au long des leçons. Chaque matière est également consacrée aux formes d’art, condition préalable à toute autre compétence que vous acquérez dans les écoles d’art de l’académie. C’est ce que vous pouvez vous attendre à apprendre de n’importe quel cours d’art de l’Académie.
Nature morte
Les annonces de produits modernes sont similaires en ce sens qu’elles montrent les différences entre l’apprentissage de la nature morte et la peinture. La seule différence est que ces dessins manquent de significations et de messages. Il est possible de regrouper plusieurs fruits et fleurs ensemble, mais qu’est-ce que cela vous dit ? Qu’est-ce que cela vous dit sur les couleurs vives et les polarités dans les natures mortes ?
Ce cours vous montrera comment les dessins de natures mortes ont été popularisés et sont toujours aussi influents aujourd’hui. Découvrez comment les matériaux, la composition et les objets peuvent donner des indices sur ce que vous voulez communiquer. La nature morte consiste à capturer la vie sous toutes ses formes, vivantes et mortes. Parce que ce concept est axé sur la beauté et la célébration, il peut être considéré comme un moyen de voir les leçons de la vie avec des nuances plus sombres d’obscurité, qui exposent des idéaux morbides.
Vous pouvez apprendre des cours de nature morte comment créer des scènes et avoir beaucoup de caractère dans vos dessins.
Portrait
Birmingham-museums-trust-Portrait classique
Le portrait classique fait partie de l’histoire depuis que la vanité existe. Cela nous dit quelque chose sur la personne sur la photo. Vous ne pouvez rien apprendre sur une personne à partir d’une image en elle-même, contrairement aux selfies sans signification d’aujourd’hui. Les portraits classiques véhiculaient richesse et statut, mais aussi émotion et réflexion profonde. Parfois, il aurait des arrière-plans minimes, mais utiliserait la lumière naturelle pour créer des effets dramatiques.
Les portraits classiques de personnes les représentaient dans leur vie naturelle sans exagération. Ces sujets ont également été photographiés dans des expressions détendues. Ces éléments ont été inclus dans un portrait à afficher dans une maison. Leur image a ensuite été rejointe par des membres de la famille. Un portrait classique d’un membre de la famille transmet l’estime de soi et le statut tout en poursuivant une tradition de longue date pour capturer un instant dans le temps.
Le dessin de portrait vous permettra de capturer de près l’essence de votre sujet et de révéler ses caractéristiques naturelles.
Chiffre
Le dessin de la figure peut être fait dans de nombreuses poses et thèmes différents. Cependant, tout se résume à la façon dont vous affichez votre modèle ou votre sujet. Vous pourrez vous entraîner à dessiner une pose avec des modèles vivants, ce qui est utile pour le dessin de figures académiques. En savoir plus sur l’échelle et les proportions du corps.
Ces leçons peuvent être simplifiées pour s’appliquer aux figures masculines et féminines.
Cela vous permettra de voir des angles sous des angles que vous ne pouvez pas voir. Cette compétence améliorera votre capacité à dessiner rapidement et vous aidera à comprendre comment obtenir les détails les plus fins de l’anatomie.
Les dessins de personnages sont souvent réalisés avec différents matériaux, mais peuvent être améliorés ultérieurement en peignant l’image finale. Cette compétence est idéale pour préparer des projets plus importants qui nécessitent plusieurs croquis de figures. Vous pouvez ensuite les combiner pour créer la pose idéale que vous pensez que votre modèle ou votre personnage représente le mieux.
Peinture
Ce cours vous apprendra non seulement à fabriquer vos propres peintures, mais également à mélanger et à créer des couleurs pouvant être utilisées pour créer une peinture finie. Découvrez les différents médiums de peinture disponibles et comment les utiliser. Vous recevrez des informations historiques sur où et comment les pigments sont dérivés et leur utilisation sur papier, bois et toile.
Pour maîtriser les nuances délicates, vous devrez être capable de voir la couleur et de bien mélanger. Vous apprendrez également à utiliser des pinceaux et des astuces de mélange pour créer de la profondeur. L’enseignement classique de la peinture vous donnera la possibilité de peindre et de créer des détails fins. Toutes les compétences en peinture, tout comme les générations précédentes de grands artistes, amélioreront considérablement vos capacités artistiques.
La peinture est un exercice continu de patience, comme nous l’avons déjà mentionné. La peinture à l’huile prend de nombreuses heures car tous les médiums ne sèchent pas simultanément. Ce cours est votre base pour le dessin et la peinture académiques. Ce sera aussi la viande et les pommes de terre des compétences professionnelles.
Anatomie
Une leçon d’anatomie est un must dans toute éducation artistique. L’anatomie est une matière fondamentale dans l’éducation artistique classique. Il aide à comprendre le corps humain et tout autre objet avec un squelette. Les dessins peuvent être complétés avec des détails précis en apprenant l’anatomie et les muscles sous la peau. Les artistes modernes oublient souvent l’importance de l’anatomie, c’est pourquoi les bandes dessinées de super-héros peuvent sembler si irréalistes.
Vous serez en mesure de discerner pourquoi certaines poses semblent naturelles et non forcées si vous utilisez les compétences de voir sous la peau. Cela vous aide à apprendre les noms et les fonctions des os et des muscles, ce qui vous aidera à comprendre la terminologie. Cela vous aidera à expliquer comment une pose est conçue et ce qu’il faut pour que le corps humain le fasse, que vous utilisiez ou non ces informations dans votre travail.
Forme du corps humain
Forme humaine et sculpture
Ce cours est un compagnon de l’anatomie et du dessin de figures. La forme humaine peut être étudiée sans aucune restriction. Il n’est pas rare que des modèles soient amenés aux cours de dessin classique. Cela peut prendre un certain temps pour s’y habituer aussi. Vous ne pouvez pas connaître le corps humain avec un modèle qui n’est pas habillé. Cette formation fait partie de la méthode européenne qui permet de désensibiliser les artistes, un peu comme les médecins qui s’entraînent sur des cadavres.
La seule différence est que les médecins peuvent voir le sang et les fluides corporels sans être dégoûtés. Les artistes sont formés pour voir l’anatomie telle qu’elle est. Une formation complémentaire est donnée aux étudiants pour voir la surface des détails de la peau, tels que les rides et les plis souples. Ils apprennent également à identifier les différences de coloration et de détail des pores. De nombreux artistes ont utilisé des marques subtiles pour créer leur travail, telles que des veines, des taches de naissance, des taches de rousseur et même des taches de rousseur.
Étudier le corps humain est tout ce que vous voyez de la tête aux pieds sur votre modèle. Cela peut être reproduit dans des croquis, des dessins et des peintures ultérieures.
A la fois lumière et ombre
L’ajout d’ombre et de lumière rend tout dessin plus réel. Chaque artiste doit maîtriser l’art de créer la bonne quantité de lumière pour votre sujet. Bien qu’il s’agisse plus de science que d’art, les effets de la lumière sur les modèles et les objets peuvent être dramatiques. Cet effet peut être appliqué par n’importe quel DOP (directeur de la photographie) professionnel pour créer des films épiques.
Ce secret était bien gardé par les artistes et peintres du passé. Ils ont enseigné à leurs élèves comment utiliser la lumière disponible comme un atout pour créer des images réalistes. Bien que l’éclairage stationnaire soit maintenant beaucoup plus facile, vous pourrez toujours utiliser des sources de lumière naturelle pour éclairer des modèles et des objets. Vous pouvez également apprendre comment les lampes artificielles peuvent être utilisées pour créer de la lumière naturelle.
Ces techniques d’éclairage vous permettront de vous concentrer sur les ombres qui tombent sur un sujet et sur les reflets les plus forts. Vous pourrez recréer l’ombre et la lumière avec une plus grande précision, quel que soit le support utilisé.
Perspective Étudier Les Maîtres Anciens
C’est plus qu’une simple leçon d’histoire sur un artiste bien connu qui a créé des styles et des techniques. C’est l’occasion pour vous de vous mettre à leur place et de découvrir les méthodes qui ont façonné leur héritage. Ces compétences peuvent vous donner un aperçu de la façon de tromper les yeux en voyant de vrais détails. Vous pouvez également apprendre comment ils ont fait la recherche.
De nombreux croquis et idées sont nécessaires pour créer des croquis approximatifs lorsqu’un artiste est chargé de peindre une œuvre d’art. Tout est superposé, comme une pizza.
Dessins coulés au graphite
Dessiner à partir de statues moulées et de bustes d’art ancien ou classique est une autre grande compétence que vous apprendrez. Celles-ci sont très différentes du dessin de modèles vivants ou d’objets matériels car la plupart des statues sont en marbre blanc ou en plâtre. Ceux-ci peuvent être difficiles à dessiner car l’image que vous voyez a été séparée en noir ou en blanc. Les dessins moulés peuvent être utilisés pour recréer des objets d’art connus, un peu comme le graphite que vous utilisez pour dessiner sur du papier.
L’éclairage sera contrôlé par une seule source de lumière, il y a donc de la lumière qui ne bouge pas. Cependant, le véritable défi consiste à traduire les proportions exactes de ces éléments sur papier. Le graphite est un médium polyvalent qui peut être mélangé davantage pour créer des ombres ou les adoucir à l’aide d’outils de mixage. Cela vous permet de créer des détails fins dans vos images et donne l’illusion de profondeur, faisant apparaître un dessin 2D plus 3D.
Dessins coulés au fusain
Mouler des dessins au fusain est un excellent moyen de se rapprocher de l’art réaliste. Le charbon de bois a des tons noirs plus foncés que le graphite, vous devez donc faire attention à la direction des ombres. De plus, vos compétences d’observation doivent rester aussi précises que possible.
Les maîtres anciens ont utilisé le fusain pendant des siècles, car le fusain était le meilleur médium pour esquisser et dessiner. Le graphite n’a été utilisé qu’au milieu du XVIe siècle.
La majorité des maîtres des XIVe et XVe siècles utilisaient le fusain pour dessiner et étudier. Le charbon de bois nécessitera plus d’entretien et d’affûtage que les crayons graphite. Une académie classique peut vous montrer comment préparer des bâtons de charbon de bois pour créer des ombres subtiles ou des lignes fines.
Il sera clair que le charbon de bois est plus efficace que le graphite pour éliminer l’excès de charbon de bois de la surface du papier.
Dessin de la plaque de bargue
La méthode Bargue, qui est un ensemble de règles exigeantes qui assurera un dessin de moulage précis, est similaire aux leçons que vous apprenez du point de vue de l’apprentissage dans un dessin. Sur la base de ce que vous voyez, vous apprendrez comment les distances et les angles peuvent être jugés. Vous pouvez utiliser votre papier pour mesurer la longueur et la largeur de n’importe quel objet.
Toutes les mesures sont visuelles et incluent souvent une ligne de visée dans une bordure imaginaire. Ces détails déterminants servent de ligne directrice pour vous aider à tracer des lignes sur votre papier là où les détails devraient être. Selon la taille de votre papier, chaque section du graphique peut être réduite ou agrandie. La méthode de Bargue nécessite moins de lignes de référence.
Bien que cette méthode puisse être utilisée pour créer de nombreuses images, la formation classique se concentrera davantage sur les bustes en plâtre.
Navires de nature morte : dessin
Vous découvrirez également le dessin de natures mortes. Les vases de nature morte se concentrent sur la complexité et l’utilisation des bocaux, des bouteilles et des cruches. Cette combinaison comprend souvent un mélange des trois, dans n’importe quel ordre. Le dessin peut inclure n’importe quel récipient qui permet de mettre quelque chose à l’intérieur. Ce style est très unique car vous pouvez créer de nombreuses surfaces réfléchissantes et arrondies.
Bouteilles et pichets
Apprenez comment les bouteilles en verre et autres carafes réfléchissent la lumière et la diffusent. Cette leçon vous montrera que la réflexion peut être difficile à maîtriser. Vous pouvez simuler des surfaces en verre, en métal et en céramique en utilisant les méthodes et techniques traditionnelles. Parce que vous vous concentrez sur des surfaces transparentes ou brillantes, cela va au-delà de la simple lumière et ombre.