Il Peut être Difficile D’équilibrer Les Couleurs, Les Tons Et Les Textures De Scènes Figuratives Complexes. Roger Dellar, Pastel Societys Roger Dellar Vous Apprend à évaluer Votre Style Et à Aller De L’avant.
Votre vision et votre concept sont les éléments les plus importants de toute peinture. Cette peinture au pastel a été inspirée par une vente aux enchères de chevaux dans le Yorkshire. Dans ce cas, le concept était de regarder ce qui se passait dans l’arène. C’était presque comme si c’était un cirque. La zone commerciale était petite et contenait des chevaux et des personnes qui entraient et sortaient.
Ce tableau est de grand format. Le support que j’ai utilisé était une planche d’art sans acide. Le support a été préparé en l’apprêtant avec une fine couche de pâte pastel. J’utilise une variété de pastels, en commençant par des pastels doux et en passant ensuite à des pastels plus durs. Enfin, je passe du soft au hard.
1. Cette peinture a été inspirée par une série de photos que j’ai prises lors d’une vente de chevaux à Appleby, dans le Yorkshire. Ces photos ont été mon inspiration pour la peinture. Je vais continuer à développer la composition.
2. J’ai été attiré par l’idée de contempler un théâtre d’action. Avec mes photos de la scène comme référence, j’ai commencé par dessiner la scène sur un support préparé à l’aide d’un dessin au carré.
3. Une fois le croquis en place, j’appliquerai une fine couche d’acrylique à l’aide d’un pinceau ménager. Cette étape peut être réalisée à l’aquarelle, à la gouache ou à l’encre.
Voici les résultats du blocage de la couleur. J’ai perdu le dessin original et je peux maintenant réagir aux zones générales et aux tons des couches de pastel.
5. Pour créer une texture à la surface de la peinture, j’applique des reflets à l’aide de pastels doux Unison et Sennelier.
6. Je travaille actuellement sur toutes les parties de la peinture ici, en exagérant le processus de dessin et la superposition. Avant d’apporter des modifications, ma composition est proche de la photo de référence.
7. À ce stade, je m’arrête pour évaluer chaque couleur et faire des changements subtils.
8. L’utilisation de la même couleur dans plusieurs zones d’une peinture crée de l’harmonie et des relations. Pour ajouter de la continuité et de la profondeur aux ombres, j’ai utilisé du pastel noir pour couvrir l’ensemble du tableau.
9. Je continue à ajouter plus de détails et de reflets aux chevaux et aux personnes, ainsi que des touches de vert sur la chair pour réduire les yeux rouges.
10.Jour 2 de la peinture. J’aime commencer par redessiner et apprendre la composition. J’ai apporté de nombreux changements au cours de cette étape, notamment l’ajout du chapeau à ma figure de premier plan.
11. Ce mannequin de tête Planes of the Head m’a été offert par un professeur de français. Bien qu’il soit assez cher, il est inestimable pour le dessin de figures. Vous pouvez utiliser la tête de mannequin pour déterminer la valeur tonale relative d’une tête éclairée sous différents angles.
12. Le chapeau a été ajouté et le visage est ajusté. J’ajoute plus de lignes pour m’aider à mieux connaître mon sujet et à le faire progresser lentement. La veste doit être retirée de la figure principale de premier plan. Cela signifie également que la zone derrière lui peut être réaménagée.
13. Après avoir terminé la première couche de pastel sec, je pulvérise tout le tableau avec du fixatif, puis je passe aux pastels Conte plus précis pour les détails.
14.Les pastels Harder Conte peuvent également être utiles pour les hachures, en particulier les couleurs contrastées qui aident à neutraliser les régions plus claires. Dans ce cas, j’ai hachuré le vert dans les couleurs terreuses et rouges.
15.Revenant à l’évaluation initiale, j’ai senti que la peinture manquait de contraste et de ton. Pour rendre le tableau plus dynamique, certaines zones doivent être décomposées.
16. J’ai décidé de simplifier certaines formes et de réduire les niveaux de texture en utilisant un gros pinceau humide pour comprimer le pastel.
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18. Cette étape montre mes progrès après avoir frotté la peinture sur les différentes zones. Bien que j’aie été satisfait des résultats finaux, l’ensemble de la peinture était cool et les couleurs n’étaient plus aussi vives qu’avant. La chemise doit être réchauffée pour un meilleur équilibre.
19. J’utilise des pastels tendres presque comme un empâtement pour redonner de la texture aux zones mouillées. Ces marques seront visibles sur la peinture finale. Ils mélangent et modifient optiquement la profondeur des couleurs plus chaudes et des couleurs reculées.
20. Nous évaluons à nouveau les progrès. Certaines des marques semblent trop linéaires et les hachures trop évidentes dans certaines zones. Par exemple, la main droite d’un homme portant une casquette plate. Il manque également de profondeur dans l’homme du milieu de l’image en noir.
21. J’ai continué à affiner la définition de zones plus petites, telles que les mains et les chiffres dans le dos. Je réévalue constamment les formes et les bords, en essayant de ne rendre aucun d’entre eux plus visible.
22. Les mains reçoivent plus de marques de style empâtement, ce qui permet un mélange optique. Au fur et à mesure que j’ajoute des détails à la peinture, j’essaie d’équilibrer cela avec les autres niveaux de détail.
23. Les arêtes vives peuvent être adoucies en faisant écho aux couleurs dans les zones adjacentes. C’est là que j’essaie de réduire le bord du col de la chemise en apportant les tons chair à la chemise blanche.
24. C’est l’heure des finitions. L’épaule ambiguë du personnage central est maintenant clairement identifiée. La couleur de la dame en rouge derrière lui avec le bonnet plat est augmentée pour indiquer une plus grande profondeur.
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