Roger Dellar Montre Comment Peindre Des Scènes D’intérieur Complexes Au Pastel. Il Donne également Des Conseils Sur La Façon D’équilibrer Plusieurs Sources De Lumière Et De Créer Une Composition.
Ce guide se compose de 12 étapes. J’ai peint un atelier pour violons en utilisant des pastels et une sous-couche acrylique. J’étais fasciné par la couleur, la lumière, l’activité et l’encombrement de la scène intérieure, alors j’ai travaillé dessus dans mon studio.
Mes élèves comparent souvent ce qu’ils voient lorsqu’ils travaillent à partir de leur vie quotidienne.
Pour faire la meilleure peinture de studio, j’ai changé les proportions, la position, la couleur, le ton et la perspective. Pour me donner une base colorée et tonale, j’ai rapidement bloqué dans la composition à l’acrylique. Ensuite, j’ai appliqué une couche de pâte d’apprêt pastel transparente. Bien que je n’utilise normalement pas de pastel sur un fond de teint acrylique non absorbant, l’apprêt pastel lui donne une belle apparence.
Vous pouvez utiliser de l’acrylique, de la gouache ou de l’encre pour créer une sous-couche d’œuvres au pastel. Il fournit une base solide sans qu’il soit nécessaire d’ajouter des couches supplémentaires de pigment pastel. Vous pouvez obtenir plus de couleurs dans les zones plus sombres avec du pastel qu’avec du pastel seul.
Matériaux Rogers
- Peintures : Cadmium, Jaune Ocre et Bleu Outremer.
- Pastels Une sélection de pastels Jacksons, Unison Color et Cont
- Brosses Une brosse domestique ; Rosemary & Co. Ivoire Long Plat taille 4
- Support : passe-partout, 51x51cm
- Couteau à palette
- Pâte à pastel
- Fixateur
- Façonneur
1. Créer Une Sous-couche
Mon passe-partout a d’abord été lavé avec une peinture acrylique Burnt Sienna. Ensuite, j’ai utilisé un mélange d’acrylique Burnt Sienna et Ultramarine Blue pour bloquer les principales formes tonales. Au lieu de copier exactement la composition originale, j’ai déplacé le coin entre le mur et la fenêtre pour qu’il soit plus proche du tiers de la longueur de l’image. Pour guider l’œil du spectateur autour de l’image, j’ai créé une forme en forme de triangle au milieu (voir superposition).
Pour relier les différentes parties du tableau, je leur ai appliqué du bleu céruléen. Après avoir mélangé Cerulean Blue avec Titanium White et Burnt Siena, j’ai créé des gris neutres. Ensuite, j’ai ajouté un ocre jaune aux reflets.
2. Apprêter La Peinture
Après séchage de la couche acrylique, j’ai appliqué une couche d’apprêt au sol pastel. Vous pouvez utiliser un rouleau ou un pinceau domestique pour appliquer l’apprêt. Il sera ajusté selon vos préférences en fonction du nombre de dents que vous souhaitez pour votre surface pastel. Vous pouvez appliquer l’apprêt de manière aléatoire, mais assurez-vous d’avoir une couverture suffisante. Laissez-le sécher.
3. Commencez Avec Des Pastels
Mon approche des peintures au pastel est la même : j’utilise des pastels tendres comme Unison Color ou Sennelier et je pose une base. Cela me permet de créer une patine de peinture en utilisant très peu de travail au trait. Certains artistes utilisent les pastels plus durs de style Cont, mais cela m’empêche de superposer le pastel par-dessus en raison de leur liant plus dur et plus gras.
À ce stade, j’essaie de créer un bloc tonal afin que les couleurs puissent s’accumuler et se mélanger les unes aux autres. Ensuite, je passe à l’utilisation de pastels plus durs pour hachurer, en perdant des bords et en ajoutant du travail au trait.
4. Couleurs Contrastées
J’ai utilisé des pastels doux pour appliquer des nuances plus foncées de mes couleurs sources. Pour m’aider à voir les relations tonales entre les différentes couleurs, j’ai plissé les yeux.
Ces zones finiront par devenir un mélange de couleurs qui rebondissent les unes sur les autres. Déjà, il y a des variantes. J’ai utilisé des gris neutres et violacés pour des zones comme les étagères supérieures pour contraster avec la lumière naturelle du soleil qui met en évidence les complémentaires jaune et violet. Les bleus-verts du reste de la pièce contrastent bien avec les bruns terreux du plan de travail et des violons.
5. Perdez-vous
Ensuite, il s’agit de trouver et de perdre des bords. Cette étape consiste à ajouter de la définition et du dessin au trait à la scène, tout en réduisant les bords en les adoucissant.
Pour relier l’extérieur et l’intérieur, je continue à développer la couleur en faisant écho à la lumière extérieure à travers le store. Vous pouvez créer de l’éclat en utilisant des couleurs complémentaires qui ont le même ton, ou en contrastant des couleurs similaires avec des tons différents.
6. Rétablir Le Travail à La Chaîne
Après avoir perdu un peu de définition en adoucissant les bords, j’ai ressenti le besoin de reformuler les choses. Cela a été fait en rendant le dessin plus précis, en vérifiant la perspective et en suggérant les violons suspendus ainsi que d’autres kits alliés. La suggestion est la clé ici. Celles-ci n’étaient pas censées être des représentations exactes des objets. La ligne impaire servait à indiquer la forme d’un instrument. J’ai vérifié l’esthétique et la précision en ajoutant des lignes à chaque objet.
7. Vous Pouvez Vérifier Vos Progrès
Pendant que je travaillais, je me suis assuré de vérifier la peinture dans un miroir afin de voir s’il y avait des formes maladroites ou écrasantes. Ces erreurs ont été corrigées en augmentant le ton ou en améliorant les bords autour de la forme afin de l’adapter à son environnement.
Ensuite, j’ai trouvé des indices de barreaux de fenêtre et des marques qui suggéraient de la lumière sur le mur. J’ai commencé à suggérer des outils, des boîtes et d’autres objets de l’établi le plus éloigné après que les bords du store aient été perdus. Il vaut la peine d’envisager de faire une marque dans la direction opposée à un dessin ou à une hachure afin qu’elle ne devienne pas trop formelle.
8. Laissez Entrer La Lumière
L’homme debout devrait être capable de voir la lumière venir. Pour suggérer un plongeon entre ses muscles, j’ai attiré la lumière du soleil sur son bras de manière oblique. Les instruments de premier plan avaient des bords plus nets pour contrer cela.
Pour travailler avec les peintures plus douces ci-dessous, j’ai utilisé des pastels durs Cont. Cela supprime également toute poussière de pastel. Le rendu aura une texture unique due à la transformation des pastels durs en pastels tendres.
9. Le Mélange Optique Est Une Bonne Option
J’aime ajouter un peu de mixage optique. Cela se fait en ajoutant des taches de couleurs complémentaires à une zone. Ces points individuels se mélangent lorsqu’ils sont vus de loin, plutôt que de les mélanger physiquement.
Cette technique était très populaire parmi les impressionnistes. Il était utilisé dans les ombres du coin supérieur ainsi que dans les tiroirs à droite de la personne assise. Vous devez utiliser la technique avec parcimonie. Si vous allez trop loin, vous pouvez toujours le faire éclore plus tard. L’homme debout a été suggéré d’utiliser les lampes sur l’établi et les lampes derrière lui.
10. Assurez-vous De Suivre Vos Progrès
Pour sécuriser le travail, j’utilise souvent un fixatif en aérosol à ce stade. Cela donne aux couches finales une résistance supplémentaire et aide à garantir que les pastels des couches précédentes ne s’effondreront pas.
Le fixateur peut être utilisé pour assombrir légèrement votre peinture. Vous pouvez l’utiliser de manière sélective pour assombrir certaines sections de la peinture ou la rendre moins importante. Je n’utilise pas de fixatif au stade final d’une peinture. Au lieu de cela, je tape la planche à l’arrière pour enlever l’excès de poussière. Il est plus facile de dessiner sur du carton que sur du papier.
11. Choisissez Les Détails
Pour suggérer des visages, des accents sur des étaux, des bancs, des lampes et des violons lointains suspendus, des marques plus petites ont été créées. Ces marques ont été exagérées pour suggérer la forme.
Pour la fenêtre éclairée, j’ai utilisé des pastels durs blanc cassé et hachuré dans la patine ci-dessous. Cette étape était cruciale car je sentais que l’image avait un équilibre approprié entre les bords durs et les bords mous (ou perdus et trouvés).
12. Touches Finales
L’établi le plus éloigné a nécessité quelques travaux. Je devais me concentrer sur le jeu de la lumière chaude de la lampe, qui éclairait la zone sous les instruments suspendus. Pour créer une atmosphère, j’ai diffusé la lumière de la lampe en utilisant des hachures.
J’aime regarder des peintures presque finies pendant un certain temps. Parfois, je les regarde à l’envers ou dans des cadres pour avoir une meilleure idée de leur apparence. Cela vous aide à voir où des ajustements sont nécessaires. N’exagérez pas l’importance de ces choses, ou vous pourriez perdre la vitalité et l’énergie que vous avez captées.